Emmanuelle Leblanc

projet leonardo

Emma — 2012-04-07T14:36:58Z

Ninfa

installation : huile sur toile (châssis à pente biseautée, 130 cm x 115 cm) et miroir d'eau (bassin en aluminium plié, 136 x 96 cm)

Exposition d'art contemporain Il Filo delle Fede, i Fili dell'Arte

présentée dans le cloître du musée diocésain San Prisco, Nocera Inferiore.

Ninfa

détail du miroir d'eau (bassin en aluminium plié, 136 x 96 cm)

Ninfa

vue arrière de l'installation

Projet Léonardo Mobilité avec le Museo San Prisco de Nocera Inferiore (Italie)

Les mots du président de l'association Kill OH What :

L'association Kill OH What, dont les objectifs de travail sont le soutien à la production des œuvres de l'art, la recherche, les échanges culturels nationaux, européens et internationaux, la professionnalisation des artistes et des structures associatives, la diffusion et le développement de l'art dans la société, construit pour leur réalisation des propositions de formations à ses membres adhérents, artistes et administratifs. Dans cette logique, l'association souhaite favoriser la mobilité des artistes et de leurs œuvres en Europe et elle ambitionne la construction de réseaux transnationaux de structures partenaires afin de créer ensemble des projets communs. Il s'agit donc pour notre association de professionnaliser et renforcer les compétences de l'équipe d'artistes et de bénévoles administratifs dans le montage d'évènements culturels afin de viabiliser dans un premier temps les projets présents et futurs, dans un second temps, de mettre en place des outils et supports pédagogiques permettant la transmission des connaissances acquises auprès des partenaires de l'association et de ses futurs membres. Ce projet de formation initié en partenariat avec l'institution italienne "Museo Diocesano San Prisco Nocera Inferiore" qui a pour objectif d'établir une méthodologie de montage de projet culturel avec comme travail dirigé l'élaboration d'une exposition temporaire répond aux attentes et exigences de qualité de notre structure.

Cette exposition est visible dans le cloître du Musée Diocésain de Nocera Inferiore du 31 mars au 15 mai 2012.

Artistes :

Sarah Barthélémy Sibi, Michal Korman, Joelle Bondil, Emmanuelle Leblanc, Gennaro Scarpetta.

Curateur référent : Teobaldo Fortunato, Professeur d'Histoire de l'art, Conseiller archéologique, Membre de la Commission d'Art Sacré du Musée.

Mostra Arte Contemporanea - Il Filo della Fede, i Fili dell'Arte

bio

Emma — 2011-11-12T10:09:25Z

Emmanuelle Leblanc nait à Pithiviers en 1977. Elle vit actuellement à Bordeaux et travaille entre Bordeaux, Paris et Berlin.

Elle suit des études universitaires à Toulouse à partir de 1997 et deux ans plus tard, débute parallèlement une pratique personnelle de la peinture. Elle obtient son Diplôme d'Études Supérieures Spécialisées dans le domaine de la couleur en 2001. Au terme de ses études, elle commence à exercer en tant que coloriste dans les milieux de la mode et de la décoration pour décider, peu après ses premières expositions, de s'engager dans une recherche picturale plus exclusive.

Une recherche avant tout esthétique.

Souvent figuratives, parfois à la limite de l'abstraction, les peintures d'Emmanuelle Leblanc s'inscrivent aussi dans une tradition du portrait de clair obscur ou empruntent à la peinture d'Europe du Nord. Elles expriment toujours une idée de temps ou d'espaces suspendus. Ainsi, les portraits ou la série « Picture Elements » sont à voir comme des arrêts sur image ou plutôt des ultra ralentis. Seule mise en scène capable de matérialiser l'idée d'un « presque présent ». Loin des photographies dont elles sont pourtant issues, ses peintures les détournent ou les éclipsent pour mettre en lumière un temps paradoxal, saisi, démonté, reconstruit, intouchable. S'en dégage une mélancolie dépassionnée...celle du dépassement.

Les tableaux d'Emmanuelle Leblanc ont justement cette volonté d'inscrire dans le présent une réflexion du juste avant et de l'à peine arrivé. Le moyen le plus lent d'illustrer les principes les plus immédiats. Un « temps soit peu », pas grand chose en soi, sinon juste assez pour qu'il nous soit commun. Une image à la limite de l'informel qui surprend par son éloquence. Et pourtant quelle économie de geste, combien sont rares les repères, les preuves d'identification. Ici et là on s'étonne d'y retrouver des traces d'images reconnues, des lieux, des intimités...

Redonner à l'image son sensible, son aura et le mérite de s'y reconnaître.

catalogue "paintings"

Emma — 2011-11-12T09:40:26Z

catalogue "paintings"

édité par la galerie kh15, Berlin

A melancholy for the here and now

Emma — 2011-11-06T22:20:14Z

Space and time are the two dimensions that allow us to embrace the world. No world, nor any experience and knowledge of it, can exist in our conscience without them. Emmanuelle Leblanc invites us to a singular experience through space and time, as well as through the light that crosses them to make the image appear. Embracing the world doesn't mean passively accepting outer realities. On the contrary, it means subjecting them to the rules of our perceptions and our judgments. Therefore Emmanuelle Leblanc proposes new ways of seeing, an attempt to capture something in the deep roots of the world we know. She is searching for the rising of an aletheia, a kind of truth hidden under a media flow that is more and more ephemeral. To be simple, we can say that Emmanuelle Leblanc makes “freeze frames”, that she's catching a truth in the picture but hidden from our attention. But actually, the reality of Emmanuelle Leblanc's paintings is more complex than this.

Like for many painters of her generation, whose sensibility has been brought up on the omnipresence of the image (television, film, print advertising) and the prominent place of technology, it all began with photography. “I have always liked photography, but I have always loved painting”. The esteem given to this ancestral medium probably comes from her interest for the History of Art as well as from the other part of truth that is contained in painting. Her work proceeds as a “pictorial rendering” of the photographic image. Here, one way or another, by purging the impure residues or by keeping them, she wants to reveal something uncluttered and essential.

Let's look at the works belonging to the “Ligne de Peinture” series, real-life photographs taken with a mobile phone. The subjects are ordinary, without specific qualities, hierarchy or logic. This kind of neutrality, in an apparently casually-shot image, is finally counterbalanced by the aesthetic obviousness (forms and colours) of the image : a bright stain of colour above a dark background, a nearly classical landscape, girls' legs, sometimes abstract and fugitive composings, some windows perhaps, the outline of a classical marble statue in a museum, a nearly romantic chiaroscuro in a Caspar David Friedrich way, a Rothko, a constructivist façade… Wilde said that life imitates art. Here, Emmanuelle Leblanc captures and recreates the unexpected appearance of the history of art rising up from the trivialities of everyday life. She implicitly suggests how art is constantly nurtured by reality.

At the same time, the places, the moments, the spaces are deliberately anonymous. Our perception is pulled out of these places, moments and spaces, and sucked up in a breach opened by the artist. This set of modular paintings, that constitutes a “pictorial sentence”, built with intuition and harmonic forms, doesn't tell a story but rather potentialities. This can be understood as a series of experiments, of tests and trials, a kind of laboratory of picture ideas saved by the artist. Doing this, she tries to rescue them from the necessary oblivion of the surging temporal and media flow. She is concerned with setting these pictures in “pictorial models”, putting every pictorial genre on an equal footing : landscapes, still lives, figures, as well as abstract forms or near monochromes. For this series of little, equally-sized paintings states nothing fictional or narrative. The viewer could perhaps introduce a fictional logic, to create some links, some possible stories… but it's still about the subject, and subjectivity. Inside the preserved secret of the otherness, as Merleau-Ponty might say, it is from the bottom of his subjectivity that everyone projects his own world. Every individual's experiences are unique.

Emmanuelle Leblanc knows that a “shared project” is impossible, especially regarding the perception of the image. So, she doesn't enforce any specific vision, doesn't impose anything on our eyes. They are the fleeting foam of the world phenomenon, the pieces of reality wrested from reality and ambiguously shown in their rough neutrality and in the fact she chooses them to be in or out of frame, broken down, reconstituted, repainted, even or especially if the picture is mediocre (visible pixels, blur, camera shake…). These small paintings sometimes lead to bigger ones. These pictures, according to the artist, obey their own rules and have a larger “narrative unity”. With their fuzzy shapes, the sometimes harsh colours, we will perhaps recognize – or not, but is it so important ? – the pleats of a statue of the virgin or a personal interpretation of Saint Georges, or any kind of subjects belonging to the History of Art.

Her portraits, as well as the “Peintures sur table” series, question timelessness and also the historical superimposition of ways and means. Timelessness : despite some signs – a bluish glint that might come from a computer screen and would refer us to our modernity – the figure, painted at human scale, might come from a Dutch painting or a Hopper, with its chiaroscuro and its meditative posture, giving a strange feeling of silence to the work. The backgrounds are spare, with dull colour blocks. It builds a sensation of putting aside the objective world, as if the link of the subject with real life was suspended, in a kind of épochè, out of conscious time, in the uncertain time of meditation, of withdrawal… So, the portrait at a scale of 1:1 becomes paradoxical, because it is naturally tempting to consider it like a mirror of ourselves, but at the same time, this scale puts us face to face with someone who “conceals himself from view” as the artist says, someone who stands back, inscrutable, unapproachable. In addition, the opening out of some works, in diptych or triptych, increases the possible views, the relationships between the images, and makes them more complex. The processes are superimposed. The subject, foreground, stands out against a minimal background decontextualized by a colour field that simplifies our relationship with the image. The monochrome, or subtle polychrome, or tint areas suggest abstract or conceptual art, but at the same time the figures are dealt with according to the classical art of portraiture. For the artist, this reconces two moments of the history of art in the same painting. Moreover, she uses editing software to retouch freeze frames captured from video to repose the model to use as a template, then proceeds to painting with oils in a to-and-fro encounter rather than a confrontation, between modern and classical techniques. In this way, painting can cause emotions to emerge in a way that photography alone isn't capable of, that also brings the ephemeral original idea to life in a tactile way. This link to time that seems so essential to Emmanuelle Leblanc's work is also present in the time taken to create the paintings and deal with the materials of creation. Even if she works from photographs or video her work is not as immaterial. She has to prepare the canvas, to paint with oil, to recompose the pictures. These tasks open to a connection with the flow of the time as well as with the history of art, in depiction and savoir-faire.

Seen from outside or with knowledge of her ideas, Emmanuelle Leblanc's work hovers between two camps. It doesn't affirm any particular vision of the world, but doesn't deny it either. She subjectively tries to catch its fugitive, evanescent and shifting nature, then release it, like two possible moments of an unresolved quest.

galerie kh15, Berlin

Emma — 2011-08-08T08:38:00Z

La ligne de peinture, Galerie kh15, Kleine Hamburger Str.15, 10117 Berlin.

Vernissage / Opening / Eröffnung : 30.09 /// 18 Uhr

30.09.2011 bis 04.12.2011

Prémices

J'ai toujours aimé les photos mais j'ai toujours eu plus d'estime pour la peinture. C'est ainsi que je me sers des défauts de l'une pour venir enrichir l'autre. Depuis la fonction photo de mon téléphone portable, je fabrique une infinité d'images -des milliers- surgies de mon quotidien. Prise de vue élémentaire et compression numérique. Gratuité, facilité, pauvreté des images : autant de prises de notes, et d'instantanés réalisés compulsivement, parfois par désœuvrement, sans véritable logique propre, au gré de l'humeur.

Esquisses

Mes modèles picturaux naissent de ces esquisses photographiques : sélections successives, classements fortuits, hiérarchies sensibles où « paysages », « natures mortes » et « figures » sont placés sur le même plan d'égalité que des motifs plus abstraits ou de quasi monochromes. Au détour de ce travail de visionnage et d'ébauche, je me pose d'ailleurs souvent cette question : “à partir de quel taux d'illisibilité une image cesse d'être une image”. Un quasi monochrome issu d'un instantané photographique reste -t- il une image ?, devient-il un déchet, un objet pictural ? une épure conceptuelle ?. Les images que je choisis de peindre sont peu bavardes, au sens d'actualité ou d'affect. Je m'attache à exploiter celles qui me semblent douées de « qualités picturales » ― qualités qui souvent sont le fait d'un défaut inhérent à l'appareil (mauvaise gestion de la lumière et des couleurs), « pixellisant » l'image, créant ainsi d'étranges perturbations colorées et des harmonies aléatoires.

Suite

La Ligne de peinture est la première série inspirée de cette collection d'images. Elle est constituée de petits panneaux de contre-plaqués disposés en frise, dont le format unique est proche du plus petit format standard d'un tableau. La syntaxe de cet enchaînement n'est pas narrative, d'autant que chaque nouvelle peinture vient déclasser le mode de composition de l'ensemble. Placée de manière intuitive, rythmique et harmonique, chacune constitue le module d'un ensemble plus vaste : une phrase picturale n'énonçant rien d'autre que cela même qui la compose : de la peinture.

First Fruit

I've always liked photographs, but always had more of an appreciation for painting. That's why I've used the presumed faults with one to enrich the other. Today, thanks to the camera capability of my mobile phone, I create a myriad – thousands – of images of my daily life. Images that are subject to the very basic camera and digital compression. Free, easy and poor images – as many taken on the spur of the moment as studied, some because there was nothing else to do, without any logic as the mood takes me.

Sketches

My paintings start from these photographic sketches – consecutive images, happy coincidences, fragile hierarchies where landscapes, still life and portraiture are placed on the same level of importance as more abstract concepts. During this process of “sketching”, I always ask myself “At what measure of illegibility does an image cease to be an image ?” Is something captured in a photographic blink of an eye made into an almost-monochrome still an image ? Does it become a reject, a new thing, a purer concept still ? The images I choose to paint don't have much to say in the sense of news or feeling. I like to use the ones that seem gifted with “pictural quality” - qualities that are often down to a problem inherent in the camera (bad light handling or colour aberration) or a pixelisation of the image that create strange colouration or random harmonics.

Suite

The Ligne de Peinture is the first series inspired by this collection of images. It is composed of small panels in a frieze with the size of each panel approaching that of a standard canvas. There is no sequence to the narrative presented by the frieze other than each picture highlights the composition of the ensemble. Placed in an intuitive order, with rhythm and harmony, each is a small module in a larger whole : a pictural phrase that says nothing more than that of which it is composed, paint.

Anfänge

Ich mochte Fotos immer, aber Malerei schätzte ich mehr. Daher nutze ich die Mängel des einen, um das andere anzureichern. Mit der Kamerafunktion meines Handys habe ich unzählbar viele – Tausende – Bilder meines Alltags produziert. Einfache Aufnahme und digitale Komprimierung. Bilder, die gleichzeitig willkürlich, leicht und arm sind. Sie wurden aus dem Moment heraus als Notizen oder Schnappschüsse aufgenommen, manchmal sogar aus Langweile, ohne Logik, nach einer Laune heraus.

Skizzen

Meine Gemälde entstehen aus diesen fotografischen Skizzen : als Folgen, zufällige Anordnungen, empfindliche Hierarchie, wo Landschaften, Stillleben und Figuren mit abstrakteren Motiven oder Monochromen gleichgestellt sind. Bei dieser Betrachtungs- und Entwurfsphase stelle ich mir ständig die Frage : „Ab welcher Unleserlichkeit ist ein Bild kein Bild mehr ?“ Ist ein fast monochromatisches Bild eines photographischen Schnappschusses noch ein Bild ? Oder wird aus ihm Abfall, ein malerisches Objekt ? Eine konzeptuelle Skizze ? Die Bilder, die ich zum Malen auswähle, sagen wenig über das aktuelle Geschehen oder das Gefühl. Ich wähle diejenigen, die nach meiner Meinung „malerische Qualitäten“ besitzen, um sie auszuwerten – diese Qualitäten sind oft einem Fehler der Kamera geschuldet (schlechte Verteilung des Lichts und der Farben) und verpixeln das Bild, wodurch seltsame Farbstörungen und zufällige Harmonien erzeugt werden.

Folge

La Ligne de Peinture ist die erste Serie, die von dieser Bildsammlung inspiriert ist. Sie besteht aus kleinen Sperrholzplatten, die als Fries aufgestellt sind, deren Einheitsformat dem kleinsten Standard-Bildformat ähnelt. Die Syntax dieser Folge ist nicht narrativ, denn jedes neue Bild löst die Komposition des Ensembles auf. Jedes Bild, weil es harmonisch, rhythmisch und intuitiv angeordnet ist, bildet das Modul eines größeren Ganzen, einen bildlichen Satz, der nichts anderes sagt als das, was ihn ausmacht : Malerei.

document pdf

Emma — 2011-05-19T20:29:42Z


paintings: catalogue édité par la galerie kh15 à l'occasion de l'exposition "la ligne de peinture" en septembre 2011

figures

Emma — 2011-04-17T19:53:05Z

Buttercup

diptyque, huile sur toile, 180 x 150 cm, 2011

Pinkpocket

huile sur toile, 150 x 130 cm, 2011

Field of view

huile sur toile, 150 x 130 cm, 2011

Ordilight

diptyque d'angle, huile sur toile, 230 x 81 cm, 2005

Peinture sur table I

diptyque, huile sur toile, 232 x 81 cm, 2005

Peinture sur table II

diptyque, huile sur toile, 246 x 81 cm, 2005

La mangeuse de couleur

huile sur toile, 116 x 81 cm, 2005

Ordilighteur

triptyque, huile sur toile, 230 x 81 cm, 2005

une mélancolie de l'immédiat

Emma — 2011-02-11T17:19:00Z

L'espace et le temps, nous le savons, sont les deux dimensions qui conditionnent a priori toute appréhension du monde. Aucun monde, aucune expérience ni aucun savoir sur ce monde ne peut apparaître à nos esprits sans elles. C'est alors à une singulière expérience que nous convie le travail d'Emmanuelle Leblanc par leur prisme, y ajoutant celui de la lumière, qui les traverse de part en part pour faire advenir l'image. Saisir le monde n'est pas se soumettre passivement à des réalités extérieures, mais le soumettre au contraire aux règles de nos perceptions et de nos jugements. Emmanuelle Leblanc propose ainsi des modes de regard, dans une tentative de capter quelque chose aux racines de ce monde que nous nous donnons à voir, le dévoilement d'une aletheia peut-être, sorte de vérité cachée sous le flux des images médiatiques, flux de plus en plus rapide et fugitif. La simplicité nous pousserait à dire qu'Emmanuelle Leblanc opère des « arrêts sur image », saisissant ainsi une vérité qui se serait trouvé en elle mais aurait été soustraite à notre attention. Mais sans doute la réalité des peintures d'Emmanuelle Leblanc est-elle plus complexe que cela.

Comme pour de nombreux peintres de sa génération, dont la sensibilité s'est nourrie à travers l'omniprésence de l'image - télévision, cinéma, publicité- mais aussi de l'évidence de la technologie, cela commence par une photographie. « J'ai toujours aimé les photos mais j'ai toujours eu plus d'estime pour la peinture. » dit l'artiste. Estime accordée à ce médium plus qu'ancestral, peut-être tant par intérêt pour l'histoire de l'art que pour la part de vérité autre que la peinture recèle. C'est donc d'un processus de « pictorialisation » de l'image photographique qu'il s'agit ici, dans lequel, d'une manière ou d'une autre, en conservant les scories ou en les soustrayant, l'artiste entend révéler quelque chose de l'ordre de l'épure et de l'essentiel.

Examinons d'abord les oeuvres composant la série de la « Ligne de peinture ». Ici, donc, des photographies prises sur le vif, avec un téléphone portable. Sujets a priori ordinaires et sans qualité, sans hiérarchie ni logique dans ce qui est donné par le réel. Mais cette sorte de neutralité dans l'apparent non-choix des prises de vue est finalement contrebalancée par l'évidence esthétique –formes et couleurs- de l'image. Apparaissent alors : une tâche de couleur vive sur un fond ombrageux, un paysage presque classique, des jambes de fillette, des compositions parfois abstraites dans leur fugitivité…des fenêtres peut-être, la silhouette d'un marbre classique dans quelque musée, un clair obscur presque romantique à la Caspar David Friedrich, un Rothko, une façade d'immeuble constructiviste…Wilde affirmait que la vie imite l'art non le contraire. Il y a dans cette série d'images, quelque chose de cet ordre, dans la manière dont Emmanuelle Leblanc capte, et restitue, le surgissement fortuit de l'histoire de l'art dans la banalité du quotidien et suggère de manière sous-jacente comment cette réalité en est une nourriture perpétuelle.

Dans le même temps, à dessein, les lieux, les temps, les espaces sont sans définition, notre perception tirée hors des lieux, des temps, des espaces, aspirés dans une brèche que l'artiste aura ouvert. Hors de l'histoire aussi. Cet ensemble de peintures modulaire, constituant une « phrase picturale » à la construction à la fois intuitive et formellement harmonique, ne raconte pas une histoire mais des possibles. Elle peut être interprétée comme une série d'expérimentations, de tentatives, d'essais, une sorte de laboratoire d images jetables que l'artiste dans son geste aura tenté de sauvegarder, d'arracher à l'oubli nécessaire du flux temporel et médiatique, dans un souci de les ériger en « modèles picturaux », mettant, explique-t-elle, sur le même plan d'égalité toutes les typologies et les genres picturaux « « paysages », « natures mortes » et « figures » » autant que « des motifs plus abstraits ou de quasi monochromes ». Car ces petites peintures, dans leur égal format, leur sérialité, n'énoncent en effet rien de fictionnel, ni de narratif. Le regardeur pourra bien vouloir y introduire une logique fictionnelle, créant des liens, des histoires possibles…Mais c'est encore une histoire de sujet, et de subjectivité. Dans le mystère préservé de l'altérité, comme pourrait le dire Merleau-Ponty, c'est du fond de sa subjectivité que chacun projette son monde et que rien n'est jamais vécu de même pour soi et pour l'autre. Consciente sans doute de cette impossibilité de « projet commun » et d'autant moins autour de la perception de l'image, Emmanuelle Leblanc n'édifie aucune vision nécessaire, n'édicte rien qu'il faille voir. Ce sont des « il y a », des étants si on veut, l'écume fugitive des phénomènes du monde, des morceaux de réalité arrachées à la réalité, montrés dans l'ambiguïté de leur brutale neutralité et en même temps choisis, dans leur champ-hors champ, décomposés, recomposés, repeints jusque dans leur médiocrité (pixellisation, flous et tremblements). De ces petits formats émergent parfois de plus grands formats, des images qui contiennent une « unité narrative » plus grande ou plus prégnante, dont l'artiste considère qu'elles manifestent davantage d'autonomie…Formes floues, chromatismes parfois violents, on identifiera, ou non, sans trancher si cela importe, le plissé statufié d'une vierge ou l'interprétation personnelle d'un St Georges, autant de sujets communs de l'histoire de l'art.

Dans ses portraits, comme dans les « Peintures sur table », on retrouve cette question de l'atemporalité en même temps que la superposition historique des procédés et des manières. Atemporalité : Malgré quelqu'indice- une aura de lumière bleutée qui pourrait être celle d'un ordinateur et renvoyer alors à notre modernité-, le personnage, réalisé à l'échelle humaine, pourrait tout aussi bien sortir d'une peinture hollandaise, ou d'un tableau de Hopper, depuis le rendu en clair obscur jusqu'à son attitude méditative, donnant à l'œuvre une étrange impression de silence. Le dépouillement des fonds, aplats de couleurs sourdes, renforce cette sensation de mise entre parenthèse du monde objectif, d'une sorte de suspension du rapport du sujet à toute réalité ordinaire, une sorte d'épochè, donc, hors du temps calculé, dans le temps indécis de la méditation, du retrait, du repli sur soi…La mise en échelle 1 du portrait s'en fait paradoxale, car tout en se donnant naturellement en tentation de miroir, elle nous pose face à un être qui « esquive le regard » pour reprendre les mots de l'artiste, impénétrable, inaccessible, en retraite. Le déploiement de certaines œuvres en diptyque ou triptyque démultiplie les vues possibles, les relations entre les images, en complexifiant l'abord. Superposition des procédés : le sujet, au premier plan, se détache sur un fond minimal, décontextualisé par l'arrière-champ coloré, sert en premier lieu un souci d'épure de la représentation. A la rigueur des aplats monochromes ou en subtile polychromie, suggérant l'art abstrait ou conceptuel, répond le traitement apparemment classique des personnages, évoquant l'art classique du portrait, le thème de la figure. Pour l'artiste, il s'agit de concilier deux moments de l'histoire de l'art dans le même tableau. Bien plus encore, l'utilisation d'un logiciel de retouche et de traitement de l'image, permettant la « recomposition » du modèle, puis le processus de « pictorialisation » d'une image arrêtée issue de captation vidéo par la peinture offrent, outre un trouble hyperréaliste, la rencontre (plutôt que la confrontation) entre des techniques des plus contemporaines et la peinture à l'huile, dans un passage à rebours. Manière d'affirmer que la peinture est susceptible de laisser émerger une émotion que la photographie ignore. Manière aussi de se réapproprier plastiquement et physiquement l'objet de création. Ce lien au temps, qui nous semble si essentiel dans la peinture de Emmanuelle Leblanc, se manifeste aussi dans la durée du faire, de la confrontation à la matière, matière picturale et matériau. Si elle oeuvre à partir de photographies, ou de vidéos, son travail n'est pas pour autant dématérialisé. Préparer les surfaces, peindre à l'huile, recomposer les images ouvre un rapport au temps autant qu'à l'histoire de l'art, en terme de représentation mais aussi de savoir-faire. Comment dire autrement les limites de la virtualité ?

Vu du dehors ou en prise avec son intériorité, l'oeuvre d'Emmanuelle Leblanc est un univers suspendu entre deux rives, qui ne conforte aucune vision du monde ni ne le nie, mais cherche à se saisir subjectivement de son caractère fugitif, évanescent et mouvant, pour ensuite s'en dessaisir, comme deux moments d'une même quête irrésolue.

Marie Deparis-Yafil Janvier 2011

galerie lemniscate

Emma — 2010-11-29T22:58:11Z

Exposition collective à la Galerie Lemniscate (Toulouse), No secret for the psyche

du 10 juin au 17 septembre 2011,

vernissage le jeudi 9 juin à partir de 18h30,

avec Emmanuelle Leblanc, Eloy Morales et Guy Reid.

[http://www.galerie-lemniscate.com

Field of view & Pink pocket

huiles sur toile, 150 x 130 chaque, 2011

Buttercup

diptyque, huile sur toile, 180 x 150cm, 2011

détail sur Field of view

détail sur Pink pocket

détail sur Buttercup

Quelque chose dans le titre sonne comme un revolver chargé. Impitoyable, implacable. Une menace pour la santé mentale, un avertissement contre la tromperie, la duperie. On peut tenter de cacher ce que l'on est aux autres mais pas à soi-même. Tôt ou tard il faut assumer l'introspection, faire face à ce que l'on porte en soi. On peut s'abriter dans le silence, derrière les non-dits, mais le corps continue de parler, d'exprimer ce que la voix intérieure souhaiterait taire. Dans les mains qui se nouent et se dénouent, au travers des membres qui se replient, à la recherche d'une invisible protection. L'âme est psychée car elle est multiple. Elle est à la fois visible et invisible, bruit et silence. Trois artistes, unis par une technique aussi précise qu'élégante, nous amènent à la rencontre de cette singulière et complexe beauté de l'esprit humain, toute en silences et en mondes intérieurs.

biennale 2D

Emma — 2010-08-28T08:56:41Z


Biennale 2D

Biennale 2D du 8 au 31 octobre

Site des Terres neuves à Bègles (600m2 d'exposition). Thème : Le devenir du passé, référence à "L'origine est devant nous " de Martin Heidegger. Priorité à la diffusion d'artistes régionaux et ouverture sur la création européenne.


Biennale 2D


détail de la mangeuse de couleur - biennale 2D


détail de peinture sur table II - biennale 2D


détail de peinture sur table II - biennale 2D


La ligne de peinture - Biennale 2D


détail de la ligne de peinture - biennale 2D


détail de la ligne de peinture - biennale 2D